Sarah Schrifts Maler- und Musikerinspiration: die Folkmusikerin Joni Mitchell mit einem Selbstporträt

Understatement, Natürlichkeit, Ungeschliffenheit, Echtheit - Das Akustik-Trio The Sours

Musik vom New Yorker Akustik-Trio The Sours klingt auf erfrischend einfache und unprätentiöse Weise nach mehr als bloß hübschem Beiwerk. The Sours berühren mit Understatement, Natürlichkeit und Ungeschliffenheit. Auf menschliches Gefühl und Echtheit wird stärker Wert gelegt als auf technische Produktion. Sanfte Annäherungen und leise Eindringlichkeit sind ihnen näher als alles Laute, Großartige, Überrumpelnde und Spektakuläre. Ihre Songs sind eher für klarsichtige und ungeschwätzige Menschen als für übertreibende und gesprächige  Prahler. Das ist sympathisches Songwriting vielleicht auch einfach nur so profan für's Alltägliche.
The Sours sind Sarah Schrift, Sasha Markovic und Kana Momitsubo. Das Trio siedelt sich mit liebenswerten, manchmal leicht ironischen Songs an in der Verwandtschaft eines der Vorbilder Joni Mitchell. Präsentiert werden sparsam höchstens mit zwei Gitarren und einem Piano begleitete Songs. Die Lyrics als Mitteilungen aus dem Leben der drei New Yorker Musikerinnen und Musiker entstehen aus allen möglichen Lebensbeobachtungen. Mit klarer Stimmme und Gitarre ist Sarah Schrift Hauptinitiatorin von The Sours. Schrift veröffentlicht zudem als bildende Künstlerin auch in Galerien und nicht nur auf Coverdesign.


The Sours
"The Sours"
(Zoze Music/Moonjune Records)

 

Und der Symbolist Odilon Redon als eine der Künstlerinspirationen für Sarah Schrift von The Sours.

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Bild: The Carper Family

New-Old-Music aus der Country-Szene mit The Carper Family

Astreinen Bluegrass bieten The Carper Family.  Auf "Old-Fashiond Gal", ihrem zweiten Album, haben sie wieder einen gelungenen Song nach dem anderen parat. Die seit vier Jahren existierende The Carper Family sind namentlich Melissa Carper (Upright Bass), Beth Chrisman (Fiddle), and Jenn Miori (Gitarre). Die drei Musikerinnen haben ihren Bluegrass in old-fashioned Country-Tradition diesmal von Billy Lee Myers und  insbesondere Dobro und Steel Gitarristin Cindy Cashdollar coproduzieren lassen. Diese kooperierte u.a. schon mit Bekanntheiten wie Bob Dylan, Asleep At The Wheel und Ryan Adams. Wirklich großartige Arbeit wurde für "Old-Fashioned Gal" getan. Ein Songjuwel nach dem anderen eingespielt. The Carper Family beherrschen Instrumente und Harmoniegesang und sie müssen swingenden Country, Old-Time-Music, Bluegrass  lieben, sonst würden sie nicht so authentisch und perfekt klingen. Schöner als von The Carper Family geht kaum. Außer den Eigenkompositionen sind Stücke von Neil Young, Larry Sparks und Floyd Tillman auf der CD und beteiligt haben sich Gastmusiker wie Bill Kirchen, Brennen Leigh und Lisa Pankratz. Neben Old-Country gibt es diesen erstklassigen, als New-Old-Music bereichneten aktuellen Bluegrass. bestens repräsentiert  von den Musikerfrauen von The Carper Family und einigen Musikerkollegen.

www.carperfamilyband.com

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Norwegens Jazzszene mit sPacemoNkey, Moskus und 1982

Experimentelle und romantizistische Klänge von sPacemoNkey

Verankert zwischen Tradition und Experiment ist das sPacemoNkey-Duo, ein Project von Morten Qvenild (Piano) und Gard Nilssen (Schlagzeug), wie ein musikalisch seltsam kapriziöses Ding im Meer der Improvisation. Vorsichtig Zartes ertastend bis hin zu mutig chaotisch Wildes bauend bieten die beiden norwegischen Musiker auf ihrem Debut  "The Karman Line" avantgardistische  Soundgefüge, geformt wie futuristische Raumschiffe oder auch manchmal wie einfache Boote des Musikkosmos des Free Jazz, der Improvistion und der Neuen Musik. Über ein Jahrzehnt sind die zwei Musiker schon in diversen Bands aktiv. Morten Qvenild  geörte zu In the Country, Shining, Jaga Jazzist, Trinity, and Susanna and the Magical Orchestra und Gard Nilssen zu Bushman’s Revenge, Astro Sonic, Puma, The Trondheim Jazz Orchestra and Susanne Sundfør’s Band. "The Karman Line" hat   das Avant-Duo sPacemoNkey im Propeller Studio in Oslo und im Duper Studio in Bergen erarbeitet zusammen mit Jørgen Træen. Die poetische Welt der Musiker aus verspielt Phantastischem im frei Improvisatorischen treibend verbindet romantizistische und (post-)postmoderne Elemente und Momente zu merkwürdig hübschen Klang-Tracks betitelt etwa mit "Aeronautics", "Darkness" oder "Landing Day".

Holprig modern-jazzig-minimalistisches von Moskus

Mit "Mestertyven" ("Master Thief") hat das norwegische Free Jazz-Trio Moskus sein zweites Album veröffentlicht. Anja Lauvdal (Piano), Fredrik Luhr Dietrichson  (Bass) und Hans Hulbækmo (Schlagzeug) nahmen nicht in Oslo im Studio sondern im Holzbau der Risør Church auf. Und nicht der Flügel sondern ein Upright-Piano prägen den Sound des Trios. Wie in einem Club oder einem Café gespielt wirken die von Anja Lauvals Piano geprägten und dominierten Musikstücke. Erinnerungen an die Zeiten des Modern Jazz mit Thelonious Monk scheinen aufzutauschen in holprig rauen, repetetiv rhythmischen Strukturen und mit Elementen der Minimal Music versehenen Improvisationsstücken von Moskus und deren höchst eigenwilligerm Jazz.

Sonderbar Kammermusikalisches von 1982

Das norwegische Trio 1982, bestehend aus den Musikern Nils Økland (Fiddle, Violine, Stimme), Sigbjørn Apeland (Harmonium, Piano) and Øyvind Skarbø (Schlagzeug, Percussion), kooperierte für das Album "A/B" teils mit einer ergänzenden Bläserformation. A und B des Titelnamens stehen für die beiden Seiten einer Langspielplatte. Für die erste Seite ist ein knapp 20-minütiges Stück mit Bläsern vorgesehen. Sonderbar träge, abgehobene Neue Kammermusik in Jazzgefielden, die wie ein Soundtrack wirkt. Diverse kürzere Stücke des Trios bedeuten die zweite Seite. Diese fällt prog-rock-jazzig und kammermusikalisch-folkig aus und gebiert sich kurios und tranceartig. Eine Märchenwelt für alle möglichen sonderbaren Tagträumer, Nachtschwärmern und Ästhetizisten lässt 1982 entstehen, die im Zeitlosen tatsächlich ein Zuhause zu haben scheint in  eigenartigen Dörfern, Städten und Landschaften oder vielleicht auch nur der Fantasie.

sPacemoNkey
"The Karman Line"
Moskus
"Mestertyven"
1982
 "A/B"
(Hubro)



hubromusic.com

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Folkdays aren't over...Höchste Versiertheit und Einfühlsamkeit auf der Gitarre - Richard Thompson mit "Acoustic Classics"

 Nach dem Album "Electric", das Richard Thompson 2013 mit seinem Electric Trio veröffentlichte, folgt nun  solo und völlig akkustisch eingespielt"Accoustic Classics". "I really wanted to have something that would reflect the acoustic shows," kommentiert Thompson diese CD mit neu aufgenommenen alten Songs zur akustischen Gitarre, herausgebracht auf seinem eigenen Label Beeswing. Aus seiner über 40-jährigen Musikerzeit stammen die erlesenen Songperlen des Folk und Folkrock. Der in London und LA lebende gebürtige Engländer Thompson, einst Fairport Convention-Gründer vor seiner Solo-Karriere, ist ein exzellenter Gitarrist. Er ist einer der besten vielleicht. Thompson, der akustische und elektrische Gitarre gleichermaßen einzigartig spielen kann, featured Klassiker früherer Alben und legendäre Songs seiner Musikerjahre auf "Acoustic Classics". Mit seiner warmen, eindringlichen Stimme, die er im entscheidenden Moment auch schneidend werden lassen kann, trägt der 65-jährige Geschichten vor, die in der Songwriting-Tradition der Qualität eines Bob Dylan nicht nachstehen. Und Thompson ist dabei auf der akustischen Gitarre an Versiertheit und Einfühlsamkeit kaum zu übertreffen.  Das zeigt das bekannte "I Want To See The Bright Lights Tonight" genauso wie "Walking On A Wire", "One Door Opens" oder "Valerie". In den vergangenen Jahrzehnten arbeitete Richard Thompson für seine Platten einige Zeit mit seiner Frau Linda zusammen und mit Musikern wie John French, Henry Kaiser, Fred Frith oder  Danny Thompson. "Acoustic Classics" nun präsentiert Thompson pur in kaum zu übertreffenden Weise. Das Album ist reine, hochkarätige Ware. Thompsons Stimme und seine Gitarre gehören zum Allerfeinsten überhaupt in der Folk- und Rock-Tradition und -Geschichte.Genießend wissen das seine Langzeit-Fans. Und wer ihn gerade bewußt entdeckt, kann mit dieser jüngsten Veröffentlichung bestens in den Thompson-Songwriting-Kosmos einsteigen.

Richard Thompson
"Acoustic Classics"
(Beeswing/Proper)

 www.richardthompson-music.com

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Selbstbewusst und tiefgründig - Mary Gauthier 

Die aus New Orleans stammende Sängerin und Gitarristin Mary Gauthier hat gerade mit "Trouble & Love" ein wunderschönes Album eingespielt. Als Teenager war sie ein selbstzerstörerischer aber lebenshungriger Drop-Out. Und schaffte es dann auch wundersamerweise doch bis zur Restaurantbesitzerin. Nach dieser Lebensphase wurde sie als Songwriterin bekannt und mit ihrem Liedgut dem Country Noire zugeschrieben. Mit Mitte 30 Jahren hatte Gauthier erst ihren ersten Song geschrieben. Gerade hat Patrick Granado die über 50-jährige als Produzent bei "Trouble & Love" unterstützt. "For me, love has been a real challenge", sagt Marry Gauthier. Und auch die Liebe zur Folk- und Countymusik ist bei ihr mit jedem ihrer Songs zu spüren. Gauthier trägt ihre Lieder mit warmer, selbstbewusst-tiefgründiger Stimme vor und spielt eine souveräne akkustische Gitarre. Für "Trouble & Love" hat sie kongeniale Begleitmusiker wie Guthrie Trapp, Viktor Krauss und Lynn Williams um sich geschart und hat wie immer Geschichten verfasst, die ihr wohl eigentlich das um sich geschart und hat wie immer Geschichten verfasst, die ihr wohl eigentlich das Leben geschrieben hat. Dass es andere Werte als oberflächlichen Konsum und Kommerz gibt, will Mary Gauthier vermutlich gerne erreichen. Und ihr Problembewusstsein spiegelt sich in ihrem bisherigen Werk wider, das nicht nur private, sondern auch gesellschaftliche Aspekte aufgreift.

www.marygauthier.com
 
 Mary Gauthier
"Trouble & Love"

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Bild: Die beiden schönen Musikerschwestern von Larkin Poe: Rebecca und Magan

Larkin Poe tendieren nun mit "Kin" fast enttäuschend zu etwas glattem Rocksound

Rebecca von Larkin Poe  informiert zu ihre erste CD "Kin": "Kin is the first Larkin Poe album, where we were able to bring a bit more of our stage show into the studio and capture some grittier, edgier stuff. We can rock-out on guitars...We let our freak flag fly a little higher." Kin" ist nur etwas zu glatt und einfach rockig geraten.  Nachdem ich die beiden Schwestern Rebecca & Megan Lovell bereits vor einiger Zeit live bei einer recht hübschen, kapriziösen Show mit Höhen und Tiefen beobachtete und mich auch ihre kürzliche Scheibe mit Thom Hell  überzeugte, ist "Kin" nun doch nicht ganz so meine Sache. Es wurde zwar professionell produziert, aber eben auch etwas zu rein rocklastig von Chris Seefried in Los Angeles und Damien Lewis in Atlanta.
Über klassische Musik ausgebildet und  mit Bluegrass in die Musikszene gekommen waren die Lovells danach überzeugend independent mit ihren live-Projekten und Veröffentlichungen und mit Ihrem ungemeinen Charme mit girlhaftem Alt-Country in Verbindung mit Rock. Mit dem Plattenvertrag nun ist der Larkin Poe-Sound auch mit etwas Enttäuschung verbunden. Sie sagen, dass sie ihre Authentizität wollen, beginnen sie aber gleichzeitig etwas zu verlieren in einem perfekten Rocksound, wie ihn viele bieten. Die Lovells nennen ihre Musik "roots-rock'n'soul". Doch so beseelt klingen die Songs nicht, sondern einfach nur könnerhaft eingespielt mit Bandergänzung. Sicher beherrscht Megan Lovell ihre lapsteel, doch ihre anfängliche Eigenwilligkeit kommt ihr über Versiertheit auch etwas abhanden. "Kin" ist Rock, wie von diversen anderen Bands auch. Aber immerhin eine kraftvolle Rockscheibe einer von Frauen greprägten Band und mit einer stark gespielten lapsteel guitar.

www.larkinpoe.com

Larkin Poe
"Kin"
HP Music

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 Fotocollage: Tina Karolina Stauner

S    O    M   M   E    R   M   I   X

Einen relaxten Sommermix hat der DJ Sven Väth für die "Coming Home"- Serie von Stereo Deluxe zusammengestellt:

V.A. - "Coming Home" by Sven Väth
with Arve Henriksen, Leafs, Boards Of Canada, Portable, CocoRosie, Ursprung, Food, Nils Frahm u.a.

Folkdays aren't over - Rückblick auf Songwriting-Veröffentlichungen von Frauen der eigenwilligsten Art: Tish Hinojosa,  Luai, Nataly Dawn und ihre jüngsten Veröffentlichungen

Songperlen vom Allerfeinsten von Tish Hinojosa

Die Fähigkeit zum Schreiben wunderschönster Songs hat die Amerikanerin mexikanischer Herkunft Tish Hinojosa schon immer. Manchmal bis zur Perfektion. Wie diesmal. In ihre Mixtur aus mexikanischem Folk und Singer-Songwriter-Pop hat sie eine ganze Menge gespielte Naivität mit eingebaut.  Gleich die beiden ersten Songs der neuen CD "After The Fair" sind ein Inbegriff an Hübschheit und lassen trotzdem auch an Substanziellem nicht missen. "...In this city where I am / Every now and then / I have to bite my tongue / 'Cause I'm feeling / That I don't belong..." ("Cobblestones") Tish Hinojosa lebte längere Zeit in Hamburg und in Berlin wurde nun "After The Fair" aufgenommen. Moe Jaksch hat produziert und auch als einer der prägenden Musiker mitgewirkt. Die annähernd 60-jährige Tish Hinojosa scheint musikalisch irritierend jugendlich und unverbraucht und macht also Nachfolgegenerationen vor, wie erstklassiges Songwriting geht. Singt Hinojosa spanisch ist sie immer dem Traditionsverbunden recht nah. Ihre englischsprachigen Songs hingegen sind nicht selten entdeckenswert reizende Perlen der Popmusik. Joan Baez und Kris Kristofferson, mit denen sie unter anderem auch zusammenarbeitete, sind zwar verwandte Seelen im Country, den Hinojosa durchaus auch verinnerlicht hat. Doch ist Hinojosa dem Pop oft einen guten Touch näher. Und nie gerät sie dabei in zu seichte Gewässer. Die Sängerin und Gitarristin Tish Hinojosa bietet souveränes Songwriting vom Allerfeinsten. Zudem widmet sie sich auch politischen und sozialen Themen und erhielt so schon eine Einladung von namhaften Politikern wie den Clintons.

Wachträume als Folksongs von Luai

Da hält sich offensichtlich ein unbekleidetes weibliches (oder androgynes?) Wesen tagträumend mit geschlossenen Augen über Wasser in einer merkwürdigen Siedlung in der die ganzen Straßen überflutet sind und dürre Rauch-Zweige von Kaminen aus in den Himmel emporstreben. Jedenfalls auf dem gezeichneten Coverdesign von "Boulder Thicket", der aktuellen Veröffentlichung von Luai. Luai ist die Finnin Saara Markkanen zusammen mit  Mitmusikern.
Auf "Boulder Thicket" hört man fragile und spröde Folkmusik. Zwar wie man sie immer wieder von allen möglichen mehr oder weniger interessanten Leuten angeboten bekommt. Doch: Luai ist eine herausragende Ausnahmeerscheinung. Es gibt Momente, da möchte man fast an Nick Drake denken. Introspektiv versponnen oder auch verhalten swingend klingen die Songs von Luai. Hübsch und manchmal leicht schräg. Und jeden Moment wie kleine Kostbarkeiten.  Luais Lieder konnten mich vom ersten Kontakt an in den Bann ziehen.
Saara Markkanen lebt derzeit in Berlin und spielt erst seit einigen Jahren akustische Gitarre, was sie sich einfach beim Songschreiben beigebracht hat. Die Lyrics handeln von Befindlichkeiten. So etwas verarbeiten auch andere Musiker zu Stücken, aber nicht immer so schwebend schön wie bei Luai.  Markkanen schreibt über nebensächliche Kleinigkeit oder große Gefühle gleichermaßen. Klingt dabei altklug naiv. Weiß beispielsweise etwas über Einsamkeit: "...I knew how to give / but not to receive / Lonely as alone can be / I am full of empty sounds laying around / Lonely as alone can be." ("Lonely As Alone Can Be") Oder etwas, das mit dem Coverbild korrespondiert: "...too much of everything / enough of nothing / I stand still as the rivers flow by / In the middle of it all I forgot to ask why // I travelled far to meet all my tomorrows / only one greeting me was my past / running away from all the sorrow / I travelled far and I travelled fast..." ("Nobody Is An Island") Und weiß noch vieles mehr zu berichten. Das zu akustischer Gitarre, Bass, Perkussion,  Piano, Cello und Holzblasinstrumenten erzählt wird. Luai ist ganz sicher etwas Besonderes im Meer des Songwriting.

Songwriting kokett und oldschool-mäßig -von Nataly Dawn

Nataly Dawn schreibt ganz amerikanisch Oldschool-haft als Songwriterin und nimmt klassisch mit Band in einem Raum auf. Dawn ist aber eine junge Frau, die in Frankreich aufwuchs, dann in den USA ein Universitätsstudium Kunst und Literatur absolvierte. "How I Knew Her" ist ihr zweites Soloalbum. Der Sound ihrer Band verweist auf die grobkörnige Unmittelbarkeit traditioneller Folkmusik mit bluesigen Einsprengseln. Dawn wirkt wie college gratuated einerseits, streetwise andererseits. Eine spannungsgeladene Mischung. Dawns Stimme ist kraftvoll bissig, mal hell mal dunkel, und sie gibt sich dabei teils auch kokett sophisticated und spielerisch smart. "How I Knew Her" klingt oft ein bißchen nach Aufnahmen von Sam Phillips, was keineswegs nachteilig ist. Vermutlich hat Dawn auch einige Ahnung von der Songwriterszene in Los Angeles. In Kalifornien lebt sie derzeit. In Dawns exzellenter Band fällt prägend der Gitarrensound auf. E-Gitarrist ist Ryan Lerman. Man findet ihn auch an Banjo und Mandoline. Dawn selber spielt auf der CD akustische Gitarre und einmal Piano. Die Gitarrenarbeit von Lerman und Dawn wird immer wieder stark rhythmisch und kantig. Das Backing von Louis Cole und Matt Chamberlain am Schlagzeug ist sparsam, eckig und klar, der Standbass von David Pitch ruhig und warm. Manche Songpassagen betonen Streicher und Bläser. Die Instrumentalisten der Band arbeiten außer mit Dawn mit namhaften Musikern wie z.B. Bill Frisell, Bonnie Raitt oder K.D. Lang zusammen. Dawn und Band sind sich ihrer musikalischen Präsenz spürbar sicher. Man höre sich nur mal "Back To The Barracks", "Caroline" oder "Please Don't Scream" an. Nataly Dawn entstammt dem Duo Pomplamoose, das sie vor ihren Soloveröffentlichungen mit Jack Conte zusammen formierte. Beide begannen 2008 independent über das Internet. Conte hat das vielversprechende "How I knew Her" produziert. Das in den Prairie Sun Studios in Cotati in Kalifornien aufgenommen wurde, wo zuvor einige von Dawn's Lieblingsalben von Tom Waits entstanden waren. Und sehr eigenwilligen Charakter zeigt entsprechend auch Nataly Dawn.

Tish Hinojosa
"After The Fair"
www.mundotish.com
Luai
"Boulder Thicket"
www.saaramaija.tumblr.com
Nataly Dawn
"How I Knew Her"
 www.natalydawn.tumblr.com

veröffentlicht: www.aurora-magazin.at

Brazil-Clubbing für sommerliche Leichtigkeit und etwas Oberflächlichkeit: Janice Andrade

Janice Andrades Sound of Brazil in Form des Zusammenwirkens von Jazz, elektronischer Elemente und Bossa, das sind brasilianische Rhythmen und Clubsound. Entstanden ist das Album "Janice" durch die  Zusammenarbeit der Brasilianerin und Wahleuropäerin Janice Andrade mit dem deutschen Produzenten Christoph Isermann, die beide fast alle Songs für "Janice" selber geschrieben haben. Janice Andrade ist eigentlich Tänzerin und Choreographin und Bewegung und Rhythmus sind ihr mehr als vertraut.  Also natürlich auch das Percussionslastige der typischen brasilianischen Musik, die  Wurzeln hat in Portugal, Afrika und  dem Indigenen. Andrade und Isermann kreieren aus diesen Elementen einen rhythmisch-verspielten aber coolen, hübsch schwebenden, allerdings vielleicht etwas glatten, Brazilian Sound, der sehr geeignet ist zum Relaxen im heißen Sommer. Und vielleicht doch nicht nur für oberflächlich gestylt ist. Das unterkühlte, das Andrade ihrem Album "Janice" als Ergänzung hinzufügt, wirkt wie Eiswürfel im Cockktailglas. Janice Andrades Gesang ist wie für den Bossa Nova spezifisch eher zurückhaltend und fügt sich nahtlos in den Brazil-Clubbing Rhythm dieser Adaption des Bossa, bei der das Jazzige und Elektronische Gewicht erhält. Keyboards, Bass und Programming stammen von Christoph Isermann und einige weitere Musiker haben sich mit eingeklinkt. Musik ist das für Momente des Chillens und der Leichtigkeit mit einer Idee zurückgelehnter Melancholie des Bossa-Lebensgefühls. Das haben insbesondere auch Männer geprägt wie João Gilberto oder Gaetano Veloso und in Musik umgesetzt. Janice Andrade gelingt  sich selbstbewußt im  Kontext neuer brasilianischer Musik zu zeigen.

Folkdays aren't over

Bissig und unerschrocken: Weibliche Standfestigkeit und Songwriting - Flip Grater

Selbst mit lieblicher Stimme kann Flip Grater bissig sein. Bissigkeit und Unerschrockenheit  sind die Stärke der Singer-Songwriterin. Sie scheint nichts zu fürchten, und kann Unbill und Unwesen trotzen. Ihr Leben ist vermutlich gut, daraus kommt auch die Kraft von lauernden Abgründen, bösen Gefahren und finsteren Gestalten singen zu können. Mit Erotik und Melancholie im meist düsteren Timbre erzählt die Neuseeländerin Geschichten, die in den Pigalle Studios in Frankreich, ihrem derzeitigen Lebensmittelpunkt Paris,  aufgenommen wurden. Einfach mit "Pigalle" ist auch dieses 4. Album betitelt. Pigalle, einstige Heimat namhafter Maler und Vergnügungsviertel mit aber auch anspruchsvollen Musikalienhandlungen in der Nähe. Etwas anrüchig kommt Graters Liedgut daher, das aus kantigen, coolen Folk- und Alt-Countrysongs besteht. Sie mag Tom Waits und Nick Cave mögen und darf sich dabei auch an diesen Größen messen, genauso wie an der Authentizität einer Michelle Shocked. Denn"Pigalle" ist ein souveränes Werk, produziert von dem Gitarristen Maxime Delpierre.  Auf ihrem eigenen Label Maiden Records hat Grater begonnen ihre Scheiben herauszubringen, auf dem auch andere Musiker schon veröffentlichen konnten. Nebenbei bemerkt: Die über 30-jährige Flip Grater hat zudem schon Musikkritiken, Reisetagebücher und Kochbücher geschrieben und für Radio und Film gearbeitet. Sie ist eine sichere Autorin. Die Lyrics von "Pigalle" analysieren feinsinnig eigene Lebenserfahrung und Beobachtungen anderer Leute Leben. Eher grobkörnig und mit markanten Momenten arbeitet die mitwirkende Band. Flip Grater spielt selber höchst überzeugend eine bewusst karge Gitarre. Und die stimmig agierende klassische Bandbesetzung ist angereichert mit gekonnten Bläsersätzen. Mit den Worten "...And I will take a moment to address my weary soul" endet der Song "My Only Doll". Flip Graters Lyrics sind von der härteren Sorte und wollen nicht nur idyllische sondern auch bittere Wahrheiten herausschälen. Beim Eintauchen in Graters Songwriter-Kosmos braucht man wie die Musikerin selbst etwas Standfestigkeit für ein ziemliches Maß an substanziell Existenzialistischem.


Flip Grater "Pigalle"
Make My Day Records


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Jazz, Jazz, Jazz, Jazz - Es stellt sich u.a. die Frage, ob gerade etwas wie "The New Standard" im Jazz in sein kann? Von Jamie Saft (Piano, Orgel), Steve Swallow (Bass) und Bobby Previte (Drums) stammt die neue Veröffentlichung "The New Standard". Also perfekt gespielte Jazznummern. Saft erklärt: "..einfache Strukturen genommen und sie in größere Strukturen umgewandelt, auf deren Grundlage man improviseren konnte...." So einfach geht das also...Ich mach mir mal zuhörend ein paar Gedanken, ob im Jazz das, was sich "The New Standard" nennt, vielleicht angesagt ist und ob es mir etwas sagt.

Eleni Mandell - liebliche Songs manchmal an die späten 50s, frühen 60s oder noch frühere Zeit erinnernd

Eleni Mandell hat die derzeitige Band von Nick Lowe zu ihrer Backing Band für ihr Album "Let's Fly A Kite" gemacht. Die Nick Lowe Band ist erstklassig. Mandells Entscheidung und Agieren ist also schon sehr cool und klingt auch sehr souverän. Und es sind dabei auch einige sehr perfekte Songs entstanden. Aber der natürliche Charme von Eleni Mandell ist manchmal zu wenig zu spüren bei dem, was nun als facettenreich und opulent bezeichnet wirkt und von Mandell selbstbewußt eingesetzt wird. Die Kalifornierin bringt seit den späten 1990er Jahren mit unterschiedlichen Musikern Platten heraus mit Folk und Country Songs, die auch mehr oder weniger dem Pop nah sind. Auf "Let's Fly A Kite" zeigt sie bei ihrer musikalischen Arbeit ein ausgesucht breiteres Spektrum an Stilmitteln. Die Nick Lowe Band trägt mit einem immer auch etwas an die 50s/60s erinnernden Sound ein gutes Maß dazu bei. Neil Brockbank und Robert Treffern haben produziert. Wesentliche Musiker sind Geraint Watkins an Keyboards , Matt Radford am Bass, Martin Winning an Saxofon und Klarinette, Robert Trehern am Schlagzeug und Greg Tawnson an der Gitarre. Die Schönheit von Mandells Songs wird beispielsweie bei "Little Joy", "Anyone Like You"oder "Cool Water" besonders zur Geltung gebracht. "...Let's take a ship /Jumping waves like a couple of dare devils hop and skip / Under the moon and under the stars / Like dreamers do that's what we are" endet "Let's Fly A Kite" mit Lyrics des Stücks "Like Dreamers Do". Das ist eigentlich alles fast wie Erinnerung an die späten 50s und frühen 60s oder an noch frühere Zeit, was Eleni Mandell da gerade tut. Halt einfach wirklich sehr hübsch.

Eleni Mandell
"Let's Fly A Kite"

www.elenimandell.com

veröffentlicht: www.melodiva.de

 

Nils Petter Molvaer: energetische Klangmalerei im Future Jazz

Mit Pedal Steel Gitarrist Geir Sundstol als wichtigem Faktor und mit Pianist Morten Qvenild und Schlagzeuger Erland Dahlen hat Trompeter Nils Petter Molvaer sein neues Album "Switch" eingespielt.  Der exzellente Norwegische Jazz Trompeter, der auch Synthesizer und Programming versiert beherrscht, ist zudem Komponist und Produzent und spielt akustische Gitarre. Additional Programming ist von Jon Marius Aareskjold hinzugefügt. Das Zusammenwirken von Trompete und Steel Guitar ist das prägnant Entscheidene für den musikalischen Charakter von "Switch" .
Nils Petter Molvaer  begann als Musiker in den 1980er Jahren und zelebrierte mit eigenen Formationen Jazz in Verbindung mit elektonischer Musik. Er war und ist mit seinem Sound dem was Fusion und Ambient ist immer wieder nicht fern. Zusammengearbeitet hat Molvaer auch beispielsweise mit Sidsel Endresen,  Bill Laswell , Johannes Enders und Moritz von Oswald.

Im Jazz war Fusion und Artverwandtes zwar noch nie meine Sache. Wurde von mir entschieden prinzipiell weiträumig umgangen. Aber wenn Trompeter wie Toshinori Kondo, Miles Davis oder Don Cherry in den Bereichen des Fusion zu finden waren oder sind, dann höre ich ausnahmsweise zu. Auch bei Nils Petter Molvaer geht es mir jetzt so.  Neils Petter Molvaers Musik nennt sich eigenständig Future Jazz. Molvaer lässt mitteilen, dass sich seine Sounds in zwei Welten und mehreren Zeitebenen abspielen, aufbrechend in eine urban globalisierte Zukunft.  Große Worte, die er sich irgenwie leisten kann. Auf dem Cover von "Switch" sind visuelle Variationen von Geometrischem, so was wie platonische und archimedische Körper, abgebildet. Zu den hörbaren Melodiegebilden werden seh- und greifbare Kunstgebilde gezeigt. Eigentlich sind die Klanggebilde von Nils Petter Molvaer wie farbig Eratisches in weiten dunklen Räumen. Archimedische Körperwelten der Musik. Das will wohl auch das Booklet vermitteln. Sound und Polyeder... Sound und Formen wie platonische und archimedische Körper...Kann ein Klang wie ein Oktaeder sein? Oder wie ein Ikosidodekaeder? Kann ein Klang wie eine Abwandlung eines Polyeders sein? Und dabei stark farbig? Fragen vielleicht an Synenergetiker. Schöne Fantasiewelten auf jeden Fall. Und jedenfalls sind sowohl die Trompetenklänge von Nils Petter Molvaer  als auch die abgebildeten Objekte im Booklet ein Kunstgenuss. Mit Songtiteln wie "Quiet Corners" oder "Somewhere Shady" verortet  Nils Petter Molvaer seine symbiotischen Klangwelten aus Jazz und elektronischer Musik. Entspannend und doch über flacher Esoterik. Und aus kritisch ironischer Distanz feministisch gesehen natürlich.


Nils Petter Molvaer
"Switch"

www.nilspettermolvaer.info

Floristik
Natur
Foto: © Tina Karolina Stauner

Heimrad Prem, 1964, Tempera auf Nessel

Die Künstlergruppen SPUR und CoBrA und deren künstlerisch Verwandte auch mit süddeutschen Wurzeln

Ein Ausstellungsschwerpunkt war gerade Heimrad Prem und seine künstlerische Arbeit im Kontext der Malergruppe SPUR in der Galerie van de Loo Projekte in München.

"Wir sind nicht nur abstrakt, sondern auch gegenständlich. Wir besitzen eine abstrakte Methode, die uns ermöglicht, gegenstandlich zu sein. Die Formen und Gegenstände, die der persönlichen Vorliebe des Einzelnen entspringen, verflechten sich mit einem abstrakten Sehen." (Heimrad Prem)

Van de Loo Projekte zeigte von Januar bis April 2014 Werke von Heimrad Prem, der von 1934 bis 1978 lebte. Nachgegangen wurde Prems Künstlerwerdegang von konventionellen Anfängen und als feinstofflich bezeichneten Arbeiten bis zu pastoseren expressiven Gemälden.

Über Heimrad Prem zu Beginn der 1960er Jahre

"...Das Festhalten an der Figur zeigt sich aber auch in Werken von 1961/62, die von einer intensiven Auseinandersetzung mit dem zeitweise als Gruppenleiter fungierenden Asger Jorn und dessen abstrakt-expressiver Figur und Farbe geprägtet sind..." (Selima Niggl)  Die Frage ist in dieser Zeit auch die kritische Überwindung des Informel.  Prem geht es aber immer auch um malerische Fragestellungen, die von der Figurengestaltung losgelöst sind.  Für Prem zählt der Malprozess. Er lässt beispielsweise Tusche spontan über Papier laufen bevor er mit wenigen Pinselstrichen Figuren herauskristallisiert. Die Arbeitsphase der ersten beiden 1960er Jahre führt zu besonders starken und interessanten Arbeiten in Prems Gesamtwerk.

Über SPUR

Die Malergruppe SPUR wurde in München um 1958 gegründet und zählte damals zur Avantgarde in malerischer Praxis und  theoretischen Manifesten. Sie bestand bis zum Jahr 1965 und war der Gruppe  CoBrA verwandt, die in Skandinavien aktiv war. Mitglieder von SPUR waren ausser Heimrad Prem noch Helmut Sturm, HP Zimmer, Lothar Fischer und Erwin Eisch. Zudem kam Dieter Kunzelmann dazu. In Cham dokumentiert das Museum S. P. U. R., denn einige Maler der Gruppe kamen aus dieser Region. Bei 84 ghz im München kann man noch Schriften von SPUR erhalten.

 SPUR,  CoBrA und Verwandte auch in kommender Ausstellung

Die nächste Ausstellung bei Van de Loo Projekte ab 10.04.14 ist betitelt mit " Gespinste, Labyrinthe, Ornamente" und auch hier sind wieder Werke von Malern der Gruppe SPUR und der Gruppe CoBrA mit angekündigt. Zusammen mit weiteren Bildern, wie Exemplarischem aus dem Experimentieren im Schaffen von Henri Michaux.

zu Bildmaterial von Heimrad Prem

www.issuu.com/84ghz

veröffentlicht: www.kultura-extra.de

Folkdays...: Reisen, Exil, Heimt, Selbstfindung - Emily Barker

Sattes Songwriting bietet die junge Songwriterin Emily Barker& The Red Clay Halo. Ihre neueste CD "Dear River" handelt thematisch schwerpunktmäßig vom Unterwegssein.
Barker's zumeist rhythmisch gitarrenbetonte Mid- bis Up-Tempo-Stücke werden ergänzt durch manch gefühlvolle Ballade. Wenn man den musikalischen Kosmos von Barker erstmals kennenlernen will, dann kann man "Tuesday" oder "Everywhen" anspielen. Ihre Musik aus dem Folk und Countrybereich ist aber mit jedem Stück Überzeugungsarbeit des Genrespektrums.
Reisen und Emigration sind relevante Themen für Emily Barker's Geschichten. Sie handeln von selbst Erlebtem und auch von Recherchiertem. Die Australierin Barker -  Holländische Vorfahren hatten sch einst nach dem Ende des 2. Weltkriegs in Australien eine Existenz aufgebaut - lebte einige Zeit in England und travelte in Europa und Südamerika, bevor sie über ihr  längeres Umherreisen wieder nach Australien zog.  "Dear River" bezieht sich mit seinem Konzept auch auf den australischen Blackwood River, dessen Existenz und zeitweilige Nähe auf Bakers Leben eine prägende Wirkung hatte.  Zur gedanklichen Auseinandersetzung mit Reisen gehört für die Musikerin auch das, was Heimat bedeutet, nicht nur Exil und das Gefühl des Entwurzelt seins. Insgesamt ist das Ganze natürlich eine Beschäftigung mit Selbstfindung. Inspiration für das Album kam dann noch von der Musikerin PJ Harvey und speziell deren "Let England Shake". 
Nach eigenständig produzierten Alben ist Braker jetzt in Zusammenarbeit mit einem Label und hat mit dem Produzenten Calum Malcolm und ihrer Band einen entscheidenen Schritt in der musikalischen Weiterentwicklung vollzogen. Und in Kollaboration mit Frank Turner ist sie dabei gelegentlich zusätzlich auf den Spuren von Duettklassikern von Musikduos, namentlich beispielsweise Lee Hazlewood und Nancy Sinatra. Insgesamt eine kraftvolle, reichhaltige kleine Scheibe ist "Dear River".

Emily Barker& The Red Clay Halo
"Dear River", 2013

www.emilybarker.com
veröffentlicht: www.melodiva.de

Folkdays aren't over II - Nordisches: Musik aus Schweden mit Ulrika Bodén Band " Kärleksånger Folk Love Songs"  und Lisa Lestander  "Songs From The North"

Volksmusik - "Folk Love Songs"

Hilda Gunborg Ulrika Bodén sammelte längere Zeit Material für die CD "Kärleksånger Folk Love Songs" und stellte Melodien, Texte, Fragmentarisches und eigene Ideen für diese Produktion bestehend aus schwedischen Volksliedern, zusammen. Es sind Liebeslieder unterschiedlicher Zeiten und Regionen. Bodén bezog für die Aufnahmen dieses Albums traditionelle Instrumente wie die Harfenzither oder die Flöte Härjedalspipa mit ein. Die Musikerin veröffentlicht seit ca. 20 jahren mit unterschiedlichen Bands und geht gerade mit dem Musikprojekt "Kärleksånger Folk Love Songs"  zurück in die Musikgeschichte. Wer hierzulande nicht schwedisch spricht hat erst einmal einfach den Klang dieser Sprache, die liebliche Stimme von Ulrika Bodén  und den Sound von traditionellem Liedgut. Dies klingt tatsächlich einigermaßen interessant und hat zudem den Faktor des noch nicht überstrapaziert Bekannten. Die CD besteht allerdings, wenn man sich das genauer anhört, größtenteils aus eher überkonventionellem skandinavischen Text- und Liedmaterial. Manch Schönes wie "Tusend Löften" oder "Bröllopskväde Från Gotland" ist zu entdecken und eben die schwedische Folkmusic. Ulrika Bodén versteht jedenfalls das traditionsreich Musikalische vom Kitschigen noch fernzuhalten und schwedische Kulturgeschichte festzuhalten und einem Publikum nennenswert vorzustellen.
Ursprünglich war die schwedische Folklore rein vokalistisch. Entstanden beim Volk der  Lappen, auch Samen genannt. Was einmal Hirtenmusik war, wurde zu Hausmusik von Bauern mit Instrumentalbegleitung praktiziert, speziell mit in Schweden entwickelten Instrumenten gespielt.

Jazz, Folk, Artsong -"Songs From The North"

Mit "Songs From The North"  hat Lisa Lestander fast vergessenes Liedgut aus dem frühen 20-igsten Jahrhundert des nördlichen Schweden aufgenommen. So findet Lisa Lestander sich in der noch weniger bekannten geschichtlichen Tradition der Musik Skandinaviens. Lestander, eine am Konservatorium ausgebildete Sängerin, präsentiert sich zudem als Pianistin und spielte mit Jonas Knutsson am Saxofon und Mats Öberg an Synthesizer, Klavier und Mundharmonika  "Sånger Från North" ein. Das ist Musik mit Anklängen aus Jazz, Folk,  Artsong und Klassik. Die drei Musiker stammen aus dem hohen Norden, aus Umeå, und haben Liedmaterial aus den Archiven der Regionen Västerbotten, Norrbotten und Lappland zutage gefördert und davon Adaptionen und Interpretationen wieder hörbar gemacht. Von leise besinnlich, sparsam volkstümlich bis atmosphärisch kunstliedhaft spannt sich das musikalische Spektrum. Wer schwedisch gesungenes Liedgut will, kann hier fündig werden und wird mit anspruchsvoller Musikkultur bedient. Es ist Musikalisches für ruhigere Stunden und Gemüter. Wer des Schwedischen nicht mächtig ist, erfährt aber nicht gleich so einfach, wovon die Songs handeln, da im Booklet keine Übersetzung ins Englische oder Deutsche ist. Lisa Lesanders Aktivitäten in Umeå sind insgesamt breiter gefächert und so hat sie auch die Frauen-Gesangsgruppe Kraja in der Tradition des schwedischen Folksingings.



www.lisalestander.se
www.ulrikaboden.se

veröffentlicht: www.melodiva.de

Plastikdeko
Naturstück

Fotos:  © Tina Karolina Stauner

Farbflächen wirken als Farbflächen wirken als Farbflächen, nicht mehr und nicht weniger? - Marcia Hafif

Weil mich in meiner eigenen künstlerischen Arbeit die Farbflächenmalerei seit langer Zeit beschäftigt, ging ich auch besonders interessiert auf die Weke von Hafif zu.
Die vielleicht allerruhigste Art der Malerei, die auch Hafif betreibt, kann faszinieren in der Schönheit der Monochromie und des Minimalismus.
Es geht nur um Farbflächen und Oberflächen: bei dieser Malerei ist unter anderem "Grundsätzliche Malerei" ein entscheidender Begriff. In diesen Bilderserien folgt eine Bildtafel der nächsten Bildtafel in systematischer Erkundung durch Formate, Bildträger, Farbmaterialien, Malwerkzeugen und Technik.
Werke der 85-jährigen  Amerikanerin Marcia Hafif sind in Ausstellung in der Galerie Rupert Walser:
Marcia Hafif: 13.09.2013 - 26.04.2014

- Sea Garden, 1990 Installation view Galerie Rupert Walser,
München 1990
- Enamel on Wood, Taupe 4008, Paris 1991
Lack/Holz, 140 x 140 cm
Galerie Rupert Walser:  www.rupertwalser.com

Nähere Informationen über die Arbeit der Künstlerin: www.marciahafif.com

Grafik: Tina Karolina Stauner